Renacimiento Italiano - siglo XIV y XV

GÉNESIS DEL RENACIMIENTO

Escrito por Selene Arais

¿Qué se puede denominar como Renacimiento? ¿El nacer, morir y volver a nacer con cierto misticismo o milagro?

He de redactar un ensayo breve y ciertamente poético para amenizar la comprensión de un lapso renacentista, considerado como un despertar del pensamiento, del estudio científico y conductista de metodologías justas con las proporcionalidades, no cabe duda que de este periodo hay abundante información acerca del avance crítico cultivado a partir de la Antigua Grecia y Roma, ¿por qué hallaron tan significante este pasado (remoto pero ciertamente moderno)?

La Edad Media marcó un periodo decadente para los renacentista pues los pensamientos iconoclastas absorbieron prácticas de la habilidad manual y principalmente cognoscitiva, que a partir del siglo XIV se comenzaron a tomar en cuenta en priori del humanismo, es decir, la proporción humana para el estudio de la naturaleza y las construcciones creativas que se destacaron en la obra artística, así,  influenciada por la filosofía, filología y cánones Grecorromanos. La implementación de un pensamiento racional convocó al estudio anatómico y el retorno escultórico del cual se tiene más evidencia sobre esta época tan enaltecida.

Tal vez para la culminación de la época medieval fue un suceso tardío, sin embargo, llamaré curiosidad el hecho de que,  poco a poco fue desplazando, por ejemplo el feudalismo a los orígenes de las  generaciones burguesas que necesito de las adquisiciones artísticas para destacar su capacidad de obtención para este tipo de mano de obra, porque  la actividad mercantil abrió rutas de materia prima y productos manufacturados trastocando desde el gótico las actitudes de fidelidad  y la hermética economía. “El naturalismo del gótico comenzó cuando las representaciones de las cosas dejaron de ser exclusivamente símbolos y empezaron a tener sentido y valor, incluso sin relación con la realidad trascendente, como mera reproducción de las cosas terrenas” (Hauser,1951)

¿Cómo se desplazó la identidad de un artesano a artista?, Incluso ¿la consideración de “genios del arte”?

El papel que jugaba el artista en este periodo era un productor o generador de bienes objetuales que sirvieron para denominar escalas de riqueza, pues aquellos que podían pagar obra  eran reconocidos socialmente y más por la Iglesia, entonces el artista era allegado a familias reconocidas, así, a la elite que trasportaba “personas cultas”,  riqueza y fama. Por otro lado, la actividad del artista significó un despertar, ya que relacionar el renacimiento con la inclusión del naturalismo no contiene los factores de conciencia, es decir el naturalismo fue inmanente a estudios  científicos y metodológicos, potencias mayores al empirismo, por ello un artista más allá de ser un observador de la naturaleza fue un estudioso de la naturaleza, de la realidad visible.

Aquí el surgimiento del mecenazgo, si bien los artistas fueron patrocinados hasta protegidos en pro de bienes nobiliarios, la formación artística era incipiente de la educación humanista de la época;  ya en el siglo XV se le reconocía orgullosamente al artista su capacidad para convertir el espacio mudo en obra casi inconfundible con la realidad, contraponiéndose  a las habilidades de abstracción de belleza divina de la Edad Media. Es importante resaltar que estas personas hoy llamadas artistas entre estas dos etapas se le continuó denominando profesionales artesanos, sin embargo, hubo cambio de posición social que claramente valía más que un título oficial, debido al enorgullecimiento de los poderosos por el contacto con los mejores arquitectos, pintores o escultores para que estos les sirvieran en diferentes encargos y lograr acentuar sus gustos estilísticos.

Con la figura del mecenas se manifiesta los deseos de conservación y colección de antigüedades, hasta la invención de artilugios militares, construcciones de villas de campo, pinturas de retablos o el diseño de vestuarios para festejo. *

¿A qué grado llegó el aprecio por el arte? Muchas de las especializaciones llegaron a considerar imprescindible el estudio del dibujo; algunas posturas de influyentes personas de

*En Florencia los Medicis apoyaron a Paolo Uccello y a Filippo Lippi, a Ghirlandaio y a Botticelli, entre otros; en Urbino, Federico II de Montefeltro fue el gran admirador y protector de Piero della Francesca; en Ferrara, la casa de Este, conocida por su dominio tiránico, acogió a Cosmé Tura y a Francesco del Cossa; en Rímini, Sigismodo Malatesta contrató a Matteo de Pasti y a Alberti para rigir un templo a la propia vanidad humana; en Mantua, los Gonzaga quisieron convertir la ciudad en una nueva Florencia con las obras de Alberti, Luca Fancelli y Mantegna; en Roma, los papas fueron los grandes impulsores y protectores del arte.

la época dictaban por medio de obras o textos el reacomodo del arte en la sociedad, por ejemplo; Baldassare Castiglione, llegaba a recomendar a los cortesanos el aprendizaje del dibujo para complementar la formación musical (aunque estos dibujos eran para el provecho de campañas militares), por otro lado esta sugerencia pretendía el ejercicio intelectual, lección que fue impulsado también por Leonardo da Vinci.

Leonardo respondió a la división de las artes en manuales y liberales; previamente las artes liberales correspondía a las del trívium preparatorio como gramática, retórica y dialéctica, y las del quadrium como la formación filosófica, aritmética, geometría, astronomía y música; en este enlistado no aparecía ni la pintura, ni la arquitectura, ni la escultura ya que sus autores se servían de las manos y no de la mente, pero para los artistas renacentistas al  rodearse con filósofos, matemáticos, músicos y literatos, reconocieron que también eran tan liberales como ellos. Alberti, por esa linealidad escribió una teoría para la pintura, una teoría de la escultura y una teoría de arquitectura, para colocarlas en el mismo plano intelectual de las artes liberales (…)*

Ahora bien Leonardo contemplaba casi las mismas iniciativas que Alberti, para él la pintura era una especie de ciencia exacta, a tal extremo que la creía superior que la ciencia, ¿por qué?  En sentido estricto la ciencia  era impersonal y con ello imitable, en cambio el arte pictórico comprendía lo individual y a sus aptitudes innatas, con ello no quiero decir que da Vinci se contraponía a la idea del estudio por encima de lo empírico,  él discernía el saber de la experiencia como un saber mecánico, ahora bien, aquel saber que no provenía  de  la experiencia sensible y este derivado inmediatamente de un saber de la naturaleza  era una mentira. Entonces, Leonardo acentuando esta tesis 

*Y justificó lo que se podría llamas tal “herejía” insistiendo en la formación liberal de los artistas, especialmente de los arquitectos y pintores: << yo deseo que el pintor sepa todo lo posible acerca de todas las artes liberales, pero deseo, sobre todo, que sea versado en geometría. Soy del parecer de Pánfilo, muy antiguo y muy ilustrado pintor, que enseñaba a los jóvenes nobles los primeros elementos de la pintura, de que nadie llegaría a ser un buen pintor si ignoraba la geometría.>>

reconoce a la pintura como una superación de la poesía, agregando en sus discursos que : “si la mudez de la pintura se considera una imperfección, con el mismo derecho se podría hablar de la ceguera de la poesía.”

Este ensayo no trata sobre Leonardo da Vinci, sin embargo, expongo con prontitud sus actitudes como el papel de artista que jugó durante el Renacimiento, pues teorizó el paragón entre arte y ciencia, me parece relevante apuntar que este personaje llegó a separar a la escultura de las artes liberales, en tanto de intelectualidad, dictándola como una labor artesanal por la suciedad que provoca; en su Tratado de la Pintura menciona: <<La escultura, no es una ciencia, sino un arte totalmente mecánico, que provoca sudor y fatiga corporal en su realización(…), lo cubre de polvo y de escombros y le deja el rostro pastoso de polvo de mármol como un molinero. Salpicado de esquirlas, parece cubierto de copos de nieve y su taller está sucio y repleto de escombros y de piedra (…) El pintor, por el contrario, está cómodamente sentado frente a su obra, bien vestido y sosteniendo un pincel muy liviano empapado de colores delicados. Está tan bien vestido como le plazca; su taller esta colmado de hermosas tablas, es bello; a menudo se hace acompañar con música o con la lectura de provechosas o divertidas obras que, sin el ruido del martillo ni de ninguna batahola que se mezcle con ellas, se escuchan con placer. >>

Las manifestaciones artísticas de esa época parecen un incipiente del arte interdisciplinar de nuestra época contemporánea (siglo XXI), porque un artista era un especialista anatómico,    tecnológico, físico, filosófico, matemático, entre otros; y la credibilidad a esta crítica que varios filósofos lo han planteado entre ellos Jorge Juanes; entonces, la historia del arte encara periodos casi cíclicos entre una exacerbada emocionalidad y el pensamiento crítico en el mundo-sensible. Y ¿Por qué el Renacimiento se interesó en el mundo sensible? 

¿Hartazgo de las imágenes planas, de sus repetitivas formas simples, de su desbordante color? ¿Hartazgo de la no innovación? ¿Hartazgo de la inactividad? ¿Hartazgo de la creación solemne y directa a Dios? ¿Es la idea de que el humano es creación divina, por lo tanto “fuimos hechos a semejanza de Dios”?

El Renacimiento se caracterizó por motivaciones anticlericas, pues durante la edad Media no había cabida para la participación ciudadana o accesibilidad a los campos de estudio y ni a la innovación estilística, pues la doctrina medieval claramente mantenía temores de la renuncia cultural basado en el misticismo-mitológico de seres infernales y divinos de los que se tenía una aparente convicción de su existencia de acuerdo a las actitudes individuales, así, la Iglesia apaciguó cualquier revelación con imágenes prometedoras de perdón y la ascendencia celestial que resguarda la grandiosidad divina. Y ¿Realmente el Renacimiento renunció a este pasado? Para Hauser no fue un momento tan radical, él menciona que: “Se ataca al clero pero se respetaba a la iglesia como institución”, consistió en una estrategia bastante lógica, ya que al debilitar la autoridad incidía con los  ideales de la antigüedad clásica para luchar contra los pensamientos románticos de la Edad Media insinuándose el fenómeno del liberalismo.

También es romántico pensar que desde el siglo XV, concretamente, se pronunció un combate contra figuras hegemónicas, en tanto de jerarquías para  la libertad de conciencia, pensamiento y más aún de la  participación indiscriminada, quizá esa emancipación tan soñada en cada época histórica, siempre converge en un sector privilegiado, como la clase burguesa. Mencionando el discurso renacentista, nos revela insignias para la evolución de la praxis en los terrenos de la ciencia, arte e historia, sin embargo en un marco social se haya nuevas estrategias de gobierno no tan paralelas al “triunfo del espíritu individual”.

Entre la individualidad y el “esteticismo sensualista” como menciona Hauser son aspectos renacentistas, que no precisan de un reflejo conductual de la sociedad, son más bien,  propios o evidentes en las prácticas artísticas, que ya desde la baja Edad Media se marcan límites, pero no con un contundente espacio temporal; lo atractivo reside en las delimitaciones geográficas y nacionales.  La iglesia fue afectada en su universalidad por el acaparamiento estratégico de la burguesía nacional, manifestándose distintas formas económicas y sociales, así generando el “patriotismo ciudadano”, lo que importaba era la competencia de las ciudades y distinción racial como de idioma.

Se le reconoce que el surgimiento del Renacimiento fue en Italia, describiendo que esta transformación social sucedió en el sur de Europa, de aquí destacan varios artistas ya renombrados entre ellos, por citar a Sandro Botticelli perteneciente al primer renacimiento;  en cambio al norte se conservaba aspectos de la edad Media (por un estilo aún excesivo), por ejemplo, Gerad David del renacimiento flamenco; “…el renacimiento aparece como una forma histórica particular en la que el espíritu italiano se individualiza con respecto al fondo de la unidad cultural europea.” (Hauser,1951)

En Italia precisa esta nueva cultura por varios factores de ventaja frente al resto de las ciudades; sobresalió en el renacimiento económico, en el desarrollo de libres competencias, además surge aquí la primera organización bancaria, consiguiendo simultáneamente la emancipación de la burguesía ciudadana favoreciendose por la implementación pronta de la aristocracia del dinero, un fenómeno llamado Racionalismo Económico (precedente del capitalismo occidental), debido a que en esta ciudad no era tan vigoroso el feudalismo y la caballería que fueron parte del carácter medieval.

De Italia vislumbra el estímulo ardiente de la llama psíquica porque la antigüedad clásica se haya en un abrir y cerrar de ojos. Aún los ojos se privilegian de no perderse monumentos conservados; entonces, las representaciones parecían buscar auras de libertad en espacios amplios, integradores de un gusto contemplativo ante un correcto orden y medida.

 

Para el estudio del Renacimiento se ha dividido en tres etapas el periodo que inaugura las obras de Brunelleschi (1401) hasta el fallecimiento de Tintoretto (1594), son denominadas como; el primer renacimiento, el alto renacimiento y el renacimiento tardío, en este último no se refiere a un periodo de decadencia, más bien un cambio estilístico contrario a ideales clásicos, a este periodo se le conoce como Manierismo, sin embargo, por el momento lo que interesa son los inicios  del Renacimiento, definición sugerida y adaptada  a partir  de los pensamientos del florentino Lorenzo Ghiberti, un escultor del siglo XV, que  denominó “rinascere” (renacer) “no para mencionar el arte de su tiempo, si no el de la Grecia Helenística que había recuperado el hálito creativo agotado después de Lisipo”(Milicua, 1985), así se había recuperado la consciencia de las capacidades humanas, constando por muchos otros pensadores de la época que ese hálito se había arrebatado a partir de  la caída del imperio Romano, de las invasiones cristianas y bárbaras afectando monstruosamente la visión de cientos de generaciones pobres en cultura y en las artes.  Más adelante no se abandonó las ideas de que esta época marcó la brillantez social; para Giorgio Vasari, el primer historiador sistemático del arte Italiano, lo denominó “rinascita” el retorno y continuación de las perfecciones antiguas demostrado por los maestros pintores y escultores, como fue;  Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano, Cimabue y Giotto.

¿Qué aspectos son relevantes en la búsqueda de  las representaciones tempranas renacentistas? La radicalidad de composición reside en la conciencia del espacio, tomando en cuenta la concentración, la subordinación y la forma geométrica cerrada, ya que en el periodo gótico tenían premisas de expansión, secuencias coordinadas en un mismo espacio, la vista era saturada de un detalle a otro, de una escena tras otra, de un tiempo tras otro, en cambio, en el Renacimiento pensaron que era un error el exceso de detalles, porque para una mayor compresión era necesario la organización de las formas o signos obteniendo que el espectador de un solo “vistazo” obtenga todas las partes, recordando que lo clásico se caracteriza por la sencillez y belleza.

La percepción de un nuevo mundo basado en la lengua, literatura y las otras artes trajo consigo también el establecimiento de un orden gubernamental republicano, con reformas a las filosofías platónicas, que como ya bien sabemos el desaprobaba la participación del artista por su filiación al concepto de la mimesis, un mundo de la representación (sombras), ya que el artista habla de lo que  no conoce o la no realidad. Entonces ¿Por qué en el Renacimiento fue tan intensa y destacable la actividad artística? Por una parte sugiero que, a pesar de que reconocían tangentemente el desastre ocasionado por la ceguera de la Edad Media, ahora la sociedad o al menos aquellos que se encontraba en el poder, supieron organizar bien las estrategias del juego, es decir sabían bien que las representaciones son en tanto manipulables para la generación de discursos, casi panfletarios, importando crear vínculos con ciertos sectores para desplazar a otros, como ya mencioné, a la Iglesia.

También el arte fue una herramienta de aprendizaje para el reconocimiento de la materia para conseguir imágenes apegadas a la realidad, así desarrollando las capacidades manuales y cognitivas, para analizar la complejidad de la naturaleza y para mantener un registro perdurable quizá para la evaluación futura de “sus descubrimientos”, siendo un modelo para los posteriores discípulos que integrarían nuevos conocimientos compositivos.  Hauser (1951) tenía presente un complejo de fuerzas de persuasión para la iniciativa en los cambios estilísticos a lado de las actitudes humanas: “La evidencia de la descripción artísticamente realista, su verosimilitud, su fuerza de persuasión, se basan…mucho más en la íntima lógica de la representación y armonía de todos los elementos de la obra en la armonía de todos estos elementos con la realidad exterior”. El desarrollo de la edad media al renacimiento de manera constante apunta a factores, como la sensibilidad lírica, el sentimiento de la naturaleza, el comienzo del individualismo de Dante y Giotto, entre otros maestros posteriores, incluso Thode lo vincula a movimientos franciscanos.